Ursprünglich hatte Netflix die Übernahme von Warner Bros. angestrebt und bereits eine entsprechende Vereinbarung angekündigt. Letztendlich setzte sich jedoch Paramount durch und sicherte sich den gesamten Konzern Warner Bros. Discovery.

Zum neuen Unternehmen gehören unter anderem Warner Bros., Paramount Pictures, HBO, HBO Max, Paramount+, CBS, CNN, Nickelodeon, Cartoon Network und MTV. Nach Unternehmensangaben erreicht Skydance über seine Streamingplattformen insgesamt mehr als 200 Millionen Abonnements und verfügt über einen Jahresumsatz von knapp 70 Milliarden US-Dollar.

Ein gigantisches Portfolio an Filmen, Serien und Videospielen

Durch den Zusammenschluss vereint Skydance einige der bekanntesten und erfolgreichsten Unterhaltungsmarken der Welt unter einem Dach. Dazu gehören Filmreihen wie Harry Potter, Der Herr der Ringe, The Matrix, Mad Max, Top Gun, Mission: Impossible und zahlreiche Produktionen aus dem DC-Universum.

Auch im Serienbereich verfügt das Unternehmen über ein gewaltiges Portfolio. Mit Game of Thrones, The Last of Us, The Sopranos, The Big Bang Theory, Friends, South Park und SpongeBob Schwammkopf vereint Skydance zahlreiche weltweit bekannte Produktionen und Franchises.

Hinzu kommen traditionsreiche Animationsmarken von Nickelodeon, Cartoon Network und Adult Swim, darunter Avatar – Der Herr der Elemente, Adventure Time, Rick and Morty, Die Powerpuff Girls und Die Feuersteins.

Auch die Gamingbranche ist betroffen. Über Warner Bros. Games gehören künftig Entwicklerstudios wie NetherRealm Studios, Rocksteady Studios und TT Games zum Konzern. Damit verfügt Skydance auch über bekannte Videospielreihen wie Mortal Kombat, Batman: Arkham und verschiedene LEGO-Spiele.

Allerdings bedeutet die Zusammenführung dieser Marken nicht automatisch, dass Skydance sämtliche Rechte uneingeschränkt besitzt oder alle Inhalte exklusiv auf eigenen Plattformen anbieten kann. Einzelne Film-, Serien- und Spielelizenzen unterliegen weiterhin bestehenden Vereinbarungen.

Skydance könnte Netflix und Disney+ gefährlich werden

Besonders interessant dürfte der Zusammenschluss für den internationalen Streamingmarkt werden. Mit HBO Max und Paramount+ verfügt Skydance bereits über zwei etablierte Streamingdienste, die langfristig zu einer gemeinsamen Plattform zusammengeführt werden sollen.

Eine solche Bündelung könnte die Wettbewerbsposition gegenüber Netflix, Disney+ und Amazon Prime Video erheblich stärken. Während Netflix vor allem auf seine weltweite Streamingreichweite und eigene Produktionen setzt, könnte Skydance mit einer außergewöhnlich großen Auswahl etablierter Film- und Serienmarken punkten.

Auch gegenüber Disney wäre der neue Konzern breit aufgestellt. Während Disney insbesondere von Marvel, Star Wars, Pixar und seinen klassischen Animationsmarken profitiert, könnte Skydance mit DC, Harry Potter, HBO, Nickelodeon und Cartoon Network ein ähnlich vielseitiges Unterhaltungsangebot aufbauen.

Entscheidend wird allerdings sein, wie Skydance seine verschiedenen Angebote zusammenführt. Ein umfangreiches Portfolio allein garantiert noch keinen Erfolg. Auch Abonnementpreise, Benutzerfreundlichkeit, exklusive Inhalte und die internationale Verfügbarkeit dürften eine wichtige Rolle spielen.

Mindestens 30 Kinofilme pro Jahr geplant

Mit dem Zusammenschluss verfolgt Skydance ehrgeizige Pläne. Künftig sollen jährlich mindestens 30 Kinofilme erscheinen, die jeweils mindestens 45 Tage exklusiv im Kino laufen. Darüber hinaus umfasst das Produktionsportfolio bereits mehr als 180 Fernsehshows und Serien.

Gleichzeitig plant Skydance, innerhalb der nächsten drei Jahre jährliche Einsparungen von mindestens sechs Milliarden US-Dollar zu erreichen. Diese sollen unter anderem durch die Zusammenlegung technischer Infrastruktur, effizienteres Marketing und die Optimierung von Unternehmensstandorten erzielt werden.

Die Übernahme wurde laut Skydance von den zuständigen Wettbewerbsbehörden in nahezu 70 Ländern genehmigt. An der Spitze des neuen Medienkonzerns steht David Ellison, der bereits zuvor Paramount Skydance leitete.

Mit dem Zusammenschluss verändert sich die internationale Unterhaltungslandschaft erheblich. Skydance besitzt nun das Potenzial, sich langfristig als einer der wichtigsten Konkurrenten von Netflix und Disney zu etablieren. Ob der Konzern diese enorme Marktmacht tatsächlich in wirtschaftlichen Erfolg umwandeln kann, wird sich allerdings erst in den kommenden Jahren zeigen.

Der Beitrag Paramount übernimmt Warner Bros. Discovery: Neuer Mediengigant entsteht erschien zuerst auf .

Für die Umsetzung ist Christopher McQuarrie vorgesehen. Der unter anderem für mehrere „Mission: Impossible“-Filme bekannte Filmemacher soll das Drehbuch schreiben, Regie führen und den Film produzieren. Ebenfalls an Bord ist Michael B. Jordan, der als Produzent beteiligt ist und möglicherweise auch eine Hauptrolle übernehmen könnte.

Das Interesse an dem Projekt ist offenbar groß. Neben Sony sollen auch Warner Bros. Discovery, Amazon MGM Studios, Universal und Netflix Angebote für die Verfilmung abgegeben haben. Noch ist der Deal mit Sony allerdings nicht abgeschlossen.

Der Zeitpunkt für eine „Battlefield“-Verfilmung dürfte kaum zufällig sein. Laut TheWrap entwickelte sich Battlefield 6 zum bislang erfolgreichsten Teil der Reihe und übertraf 2025 in den USA sogar Call of Duty: Black Ops 7 bei den Jahresverkäufen.

Damit könnten die beiden Shooter-Marken ihre langjährige Konkurrenz künftig auch im Kino fortsetzen. Paramount arbeitet bereits an einer Verfilmung von „Call of Duty“. Taylor Sheridan und Peter Berg sollen dafür das Drehbuch schreiben, Berg ist zudem als Regisseur vorgesehen.

Wann der „Battlefield“-Film erscheinen könnte und welche Geschichte erzählt wird, ist bislang nicht bekannt.

Der Beitrag Battlefield-Film angeblich geplant: Sony gilt als Favorit für die Verfilmung erschien zuerst auf .

Filme und Serien mussten nicht mehr mühsam über Torrents heruntergeladen, auf dubiosen Webseiten gesucht oder auf Festplatten gesammelt werden. Für einen vergleichsweise niedrigen monatlichen Betrag gab es eine riesige Bibliothek, gute Bildqualität und vor allem Komfort. Das bessere Produkt hatte gewonnen.

Knapp zwei Jahrzehnte später scheint sich diese Entwicklung jedoch teilweise umzukehren. Streaming wird teurer, Inhalte verteilen sich auf immer mehr Dienste und selbst zahlende Kunden müssen sich zunehmend mit Werbung, Einschränkungen und wechselnden Angeboten auseinandersetzen. Ausgerechnet Disney liefert dafür gerade ein passendes Beispiel.

Disney+ kostet plötzlich mehr als dreimal so viel

Als Disney+ im November 2019 in den USA startete, kostete der Dienst 6,99 US-Dollar im Monat. Das aggressive Preismodell gehörte zu den größten Argumenten für den damals neuen Konkurrenten von Netflix. Davon ist nicht mehr viel übrig.

Disney erhöht den Preis seines werbefreien Disney+-Abonnements in den USA erneut. Statt 18,99 Dollar sollen künftig 21,49 Dollar pro Monat fällig werden. Gegenüber dem ursprünglichen Preis entspricht das einem Anstieg von rund 207 Prozent.

Damit kostet Disney+ inzwischen mehr als dreimal so viel wie zum Start. Und Disney steht damit keineswegs allein da.

Netflix startete sein Streamingangebot 2010 für 7,99 Dollar. Vergleichbare werbefreie Angebote sind inzwischen erheblich teurer. Hulu stieg von 11,99 Dollar im Jahr 2015 auf 21,49 Dollar, Apple TV von 4,99 Dollar im Jahr 2019 auf 14,99 Dollar und Peacock von ursprünglich 9,99 Dollar auf 19,99 Dollar. Auch HBO Max und Paramount+ haben ihre Preise mehrfach erhöht.

Was früher als günstige Alternative zum klassischen Fernsehen verkauft wurde, entwickelt sich zunehmend zu einem beträchtlichen monatlichen Kostenblock.

Ein Streamingdienst reicht längst nicht mehr

Das Problem besteht allerdings nicht allein aus steigenden Preisen. Netflix konnte Piraterie unter anderem deshalb etwas entgegensetzen, weil der Dienst lange eine enorme Menge unterschiedlicher Inhalte an einem Ort vereinte. Für viele Nutzer lautete die Entscheidung nicht mehr: „Bezahle ich für jeden einzelnen Film?“, sondern schlicht: „Sind mir ein paar Euro im Monat den Komfort wert?“

Doch der Erfolg des Modells lockte immer mehr Unternehmen auf den Markt. Disney baute Disney+ auf, Warner setzte auf HBO Max beziehungsweise Max, Paramount startete Paramount+, Apple etablierte Apple TV und zahlreiche weitere Anbieter folgten.

Für die Unternehmen ergibt Exklusivität Sinn: Wer bestimmte Filme oder Serien sehen möchte, soll dafür den jeweiligen Dienst abonnieren. Für den Kunden bedeutet es jedoch Fragmentierung.

Ein Film liegt bei Netflix, eine Serie bei Disney+, die nächste Produktion bei Apple und ein anderer Titel bei HBO Max. Inhalte verschwinden aus Katalogen, wechseln den Anbieter oder sind regional überhaupt nicht verfügbar.

Wer möglichst viele aktuelle Produktionen legal sehen möchte, benötigt deshalb schnell mehrere Abonnements gleichzeitig. Und plötzlich wird aus dem komfortablen Netflix-Abo ein Bündel verschiedener monatlicher Rechnungen.

Und jetzt auch noch Werbung?

Gleichzeitig verschwimmt eine weitere Grenze. Disney+ hat 2026 seine Vertragsbedingungen für europäische Nutzer präzisiert. Demnach können grundsätzlich alle Tarife unter anderem Werbe-, Sponsoring- und Promotionsinhalte vor oder nach der Wiedergabe enthalten.

Das bedeutet nicht, dass Disney nun zwangsläufig seine Filme im teuersten Tarif mit klassischen Werbeunterbrechungen versieht. Werbung während der eigentlichen Wiedergabe ist davon zu unterscheiden.

Bemerkenswert ist die Entwicklung trotzdem. Jahrelang war eines der offensichtlichsten Verkaufsargumente kostenpflichtiger Streamingdienste gerade die Möglichkeit, Filme und Serien komfortabel und ohne klassische Fernsehwerbung anzusehen.

Heute existieren günstigere werbefinanzierte Tarife, während gleichzeitig selbst bei höherpreisigen Angeboten die Grenze zwischen werbefreiem Streaming und zusätzlicher Vermarktung weniger eindeutig wird.

Damit stellt sich eine unangenehme Frage: Wie weit kann man den Komfort eines legalen Angebots reduzieren, bevor Nutzer nach Alternativen suchen?

Piraterie war nie ausschließlich eine Frage des Geldes

Genau an diesem Punkt wird die Debatte über Piraterie interessant. Natürlich spielt Geld eine Rolle. Wer einen Film illegal herunterlädt, muss dafür nicht bezahlen. Es wäre deshalb falsch, Piraterie grundsätzlich als Protestbewegung zu romantisieren.

Doch genauso verkürzt wäre die Annahme, jeder Nutzer illegaler Angebote wolle schlicht nichts bezahlen. Valve-Mitgründer Gabe Newell brachte diese Sichtweise bereits vor vielen Jahren auf einen viel zitierten Punkt: Piraterie sei häufig ein Serviceproblem.

Die Idee dahinter ist simpel. Ist das legale Angebot komfortabler als die illegale Alternative, entscheiden sich viele Menschen dafür, zu bezahlen. Genau das war die große Stärke von Netflix und später Spotify.

Warum Musik einzeln von irgendwelchen Filesharing-Plattformen herunterladen, Dateien sortieren und möglicherweise mit schlechter Qualität leben, wenn Spotify für einen überschaubaren Betrag Millionen Songs sofort verfügbar macht?

Warum eine Serie über Torrents herunterladen, wenn Netflix innerhalb weniger Sekunden auf dem Fernseher startet? Piraterie musste nicht vollständig verschwinden. Sie musste lediglich zum schlechteren Produkt werden.

Napster, LimeWire und The Pirate Bay

Dass Menschen bereit waren, erhebliche Nachteile in Kauf zu nehmen, zeigte bereits die erste große Ära der digitalen Piraterie.

Napster revolutionierte um die Jahrtausendwende den Austausch von Musik. LimeWire und andere Filesharing-Programme folgten. Später wurde BitTorrent zu einem der wichtigsten Werkzeuge für den dezentralen Austausch großer Dateien. The Pirate Bay entwickelte sich schließlich zu einem der bekanntesten Symbole dieser Bewegung.

Rechtliche Verfahren, Beschlagnahmungen, Netzsperren und andere Maßnahmen konnten einzelne Plattformen treffen und den Zugang erschweren. Das grundlegende Problem verschwand damit allerdings nicht. Dienste wurden gespiegelt, Domains gewechselt und neue Plattformen entstanden.

Das zeigt eine grundlegende Schwierigkeit im Kampf gegen digitale Piraterie: Ein Angebot lässt sich abschalten. Die Nachfrage dahinter ist wesentlich schwieriger zu beseitigen.

Spotify zeigte, dass es auch anders geht

Besonders interessant ist deshalb die Entwicklung der Musikindustrie. Die Ära von Napster und LimeWire zeigte eindrucksvoll, dass Millionen Menschen Musik digital konsumieren wollten. Die traditionelle Musikindustrie konnte dieses Bedürfnis zunächst nur unzureichend bedienen.

iTunes und später Spotify veränderten das. Plötzlich konnte Musik legal ähnlich komfortabel konsumiert werden, wie es illegale Plattformen zuvor ermöglicht hatten. Spotify ging sogar noch weiter: Gegen Werbung konnte ein riesiger Musikkatalog grundsätzlich kostenlos genutzt werden.

Der entscheidende Unterschied bestand damit nicht mehr im Zugang. Der legale Dienst war bequem, schnell und auf praktisch jedem Gerät verfügbar. Für viele Menschen gab es schlicht keinen guten Grund mehr, einzelne MP3-Dateien auf irgendwelchen Plattformen zu suchen.

Doch auch Spotify wird teurer

Auch dieses Modell steht allerdings unter Druck. Streamingdienste erhöhen ihre Preise regelmäßig. Gleichzeitig können Künstler, Labels und Plattformen darüber entscheiden, welche Musik verfügbar bleibt. Titel können verschwinden oder regional eingeschränkt sein.

Das bedeutet nicht automatisch, dass Musikpiraterie deshalb massiv zurückkehrt. Einen solchen direkten Zusammenhang müsste man anhand entsprechender Daten nachweisen. Es verdeutlicht aber dasselbe strukturelle Problem wie beim Videostreaming:

Je größer der Unterschied zwischen dem Komfort des legalen Angebots und einer illegalen Alternative wird, desto stärker wird auch das ursprüngliche Verkaufsargument des legalen Dienstes geschwächt.

Software: Wenn aus Kaufen Mieten wird

Noch deutlicher wird dieser Konflikt bei Software. Adobe ist dafür eines der bekanntesten Beispiele.

Photoshop und andere Programme wurden früher klassisch als Softwarelizenz verkauft. Kunden bezahlten einen hohen Betrag, konnten die erworbene Version anschließend aber langfristig verwenden.

Mit Creative Cloud verlagerte Adobe sein Geschäftsmodell auf Abonnements. Für professionelle Nutzer kann ein solches Modell durchaus Vorteile bieten. Sie erhalten regelmäßig neue Versionen und verschiedene miteinander verknüpfte Programme.

Für Hobbyanwender sieht die Rechnung möglicherweise anders aus. Wer Photoshop nur gelegentlich benötigt, muss trotzdem regelmäßig bezahlen. Kündigungsbedingungen bestimmter Adobe-Abonnements sorgten zudem für Kritik und sogar für rechtliche Auseinandersetzungen in den USA.

Auch hier entsteht deshalb dieselbe Debatte: Was passiert, wenn Nutzer ein digitales Werkzeug nicht mehr dauerhaft erwerben können, sondern kontinuierlich für dessen Nutzung bezahlen müssen?

Piraterie wird dadurch nicht legal. Aber ein restriktives Geschäftsmodell kann beeinflussen, wie attraktiv illegale Alternativen auf Nutzer wirken.

Gaming macht die Besitzfrage noch komplizierter

Für Spieler ist diese Entwicklung besonders interessant. Ein modernes AAA-Spiel kann 70 oder 80 Euro kosten. Gleichzeitig endet die Monetarisierung bei vielen Titeln nicht mehr mit dem Kauf.

DLCs, Season Passes, Battle Passes, kosmetische Gegenstände, Premiumwährungen und Mikrotransaktionen gehören längst zum Alltag. Doch noch grundsätzlicher ist die Frage, was Spieler eigentlich kaufen.

Bei einer klassischen Spiele-CD oder Cartridge war das zumindest für den Kunden leicht verständlich: Das Spiel lag physisch im Regal.

Bei digitalen Käufen erwerben Nutzer dagegen häufig eine Lizenz zur Nutzung eines Produkts innerhalb eines bestimmten Ökosystems. Solange Steam, PlayStation Network, Xbox und Nintendo ihre Infrastruktur betreiben, fällt dieser Unterschied im Alltag kaum auf. Problematisch wird es erst, wenn ein Produkt verschwindet.

Was passiert, wenn Server abgeschaltet werden?

Gerade Online-Spiele zeigen die Grenzen des digitalen Besitzes. Wird ein notwendiger Server abgeschaltet, kann ein gekauftes Spiel im Extremfall teilweise oder vollständig unbrauchbar werden. Andere Spiele verschwinden aus digitalen Stores und können von neuen Kunden überhaupt nicht mehr erworben werden.

Damit bekommt die Pirateriedebatte eine zweite Dimension. Es geht nicht mehr ausschließlich darum, ob jemand für ein aktuelles Spiel bezahlen möchte. Es geht auch um die langfristige Erhaltung von Videospielen.

Historiker, Archive, Fans und Preservation-Projekte beschäftigen sich deshalb zunehmend mit der Frage, wie Spiele erhalten werden können, wenn die ursprüngliche Infrastruktur irgendwann nicht mehr existiert. Dabei können technische Schutzmaßnahmen wie DRM wiederum zum Hindernis werden.

Die rechtliche Bewertung solcher Maßnahmen unterscheidet sich zwar deutlich von klassischer Piraterie aktueller Spiele. Trotzdem zeigt das Problem, wie kompliziert die Gleichung „nicht autorisierte Kopie = verlorener Verkauf“ in der digitalen Welt geworden ist.

DRM kann auch zahlende Kunden treffen

Kopierschutz soll verhindern, dass Spiele ohne gültige Lizenz verwendet werden. Aus Sicht eines Publishers ist das nachvollziehbar. Problematisch wird DRM jedoch dann, wenn die Schutzmaßnahme das Erlebnis legitimer Käufer beeinträchtigt.

Online-Zwang, zusätzliche Accounts, Aktivierungsserver oder technische Probleme mit Kopierschutzsystemen können dazu führen, dass ausgerechnet der zahlende Kunde zusätzliche Hürden überwinden muss. Eine gecrackte Version kann solche Einschränkungen teilweise nicht mehr besitzen.

Das führt zu einer geradezu absurden Situation: Im Extremfall kann eine illegale Kopie für den Nutzer unkomplizierter sein als das legal erworbene Original. Spätestens an diesem Punkt hat die Industrie ein Serviceproblem.

Piraterie ist trotzdem nicht automatisch Widerstand

Es wäre allerdings zu einfach, aus all dem eine romantische Freiheitsbewegung zu konstruieren. Wer einen gerade veröffentlichten Film oder ein neues Videospiel illegal herunterlädt, weil er schlicht nicht dafür bezahlen möchte, kämpft damit nicht automatisch für Verbraucherrechte.

Künstler, Entwickler, Autoren, Studios und andere Beteiligte müssen schließlich ebenfalls finanziert werden. Piraterie kann Urheber und Unternehmen wirtschaftlich schädigen. Urheberrecht verschwindet nicht, nur weil ein Angebot teuer oder unbequem geworden ist.

Umgekehrt sollte die Existenz illegaler Angebote aber auch nicht ausschließlich als moralisches Versagen der Nutzer betrachtet werden.

Denn die Geschichte digitaler Medien zeigt, dass sich das Verhalten von Konsumenten durchaus verändert, wenn attraktive legale Alternativen entstehen.

Die bequemste Plattform der Welt

Hier liegt möglicherweise das größte Problem für die Streamingbranche. Stellen wir die Perspektive eines Nutzers in den Mittelpunkt.

Auf der einen Seite benötigt er Netflix, Disney+, Apple TV, HBO Max und möglicherweise weitere Abonnements. Er muss herausfinden, auf welchem Dienst ein bestimmter Film verfügbar ist, unterschiedliche Apps verwenden und regelmäßig steigende Preise akzeptieren.

Auf der anderen Seite steht theoretisch eine illegale Plattform, auf der Inhalte verschiedenster Anbieter gemeinsam auftauchen. Das illegale Angebot besitzt damit einen Vorteil, den Netflix früher selbst hatte:

Alles befindet sich an einem Ort. Genau deshalb reicht es langfristig möglicherweise nicht aus, Piraterie ausschließlich technisch und juristisch zu bekämpfen. Die legale Alternative muss auch das bessere Produkt sein.

Piraterie ist nicht das Problem – sie ist ein Symptom

Netflix, Spotify und andere Dienste haben gezeigt, dass Menschen durchaus bereit sind, für digitale Inhalte zu bezahlen. Vielleicht war die wichtigste Innovation dieser Plattformen deshalb gar nicht Streaming selbst.

Es war Komfort. Ein angemessener Preis, ein großes Angebot und sofortiger Zugriff machten illegale Alternativen für Millionen Menschen schlicht unnötig. Doch genau dieser Vorsprung wird kleiner.

Streamingdienste erhöhen ihre Preise. Inhalte werden auf immer mehr Plattformen verteilt. Werbung gewinnt wieder an Bedeutung. Digitale Käufe werfen Fragen über tatsächlichen Besitz auf. Spiele können von Servern abhängig sein und Software wird zunehmend vermietet statt verkauft.

Keine dieser Entwicklungen rechtfertigt automatisch Urheberrechtsverletzungen. Sie liefern aber Gründe dafür, weshalb Piraterie trotz jahrzehntelanger Bekämpfung nicht verschwindet. Vielleicht stellt die Unterhaltungsindustrie deshalb seit Jahren die falsche Frage. Die entscheidende Frage lautet nicht nur:

Wie verhindern wir Piraterie? Sondern: Warum sollte ein zahlender Kunde unser Angebot einer illegalen Alternative vorziehen?

Solange die Antwort darauf Preis, Komfort, Verfügbarkeit und tatsächliche Nutzerfreundlichkeit lautet, hat die legale Seite einen gewaltigen Vorteil.

Wenn sie diesen Vorteil jedoch Stück für Stück aufgibt, dürfte auch das härteste DRM ein grundlegendes Problem nicht lösen können.

Piraterie lässt sich bekämpfen. Die Gründe für Piraterie muss man beseitigen.

Quelle:

IGN

bloomberg

Der Beitrag Preisexplosion bei Disney+, Netflix & Co.: Warum Piraterie wieder attraktiver wird erschien zuerst auf .

Damit zeichnet sich für die Videospielverfilmung ein bemerkenswert starker Kritikerstart ab. Unter anderem vergaben Polygon 91 von 100 Punkten, The Hollywood Reporter 90 Punkte, TheWrap 85 Punkte und IGN 80 Punkte. Andere Medien wie Empire und Time Out zeigten sich mit jeweils 60 Punkten zurückhaltender.

Keine direkte Adaption der Spiele

Regisseur Zach Cregger, bekannt durch „Barbarian“ und „Weapons“, erzählt keine bekannte Geschichte aus den Spielen nach. Stattdessen folgt der Film dem medizinischen Kurier Bryan, gespielt von Austin Abrams, der während einer Lieferung nach Raccoon City mitten in einen Virusausbruch gerät. Bekannte Figuren aus den Spielen stehen entsprechend nicht im Mittelpunkt.

Trotz der eigenständigen Handlung soll sich der Film stark am Spielgefühl der Reihe orientieren. Mehrere Kritiken heben Elemente wie begrenzte Munition, den Kampf ums Überleben, Anspielungen auf die Spiele und das Gefühl hervor, sich durch ein klassisches Survival-Horror-Szenario zu bewegen. IndieWire beschreibt den Film beispielsweise als Adaption, die besonders gut einfängt, wie es sich anfühlt, „Resident Evil“ zu spielen.

Viel Gore, Monster und schwarzer Humor

Auch beim Horror scheint Cregger deutlich aufzudrehen. Die ersten Rezensionen berichten von viel Blut und Gore, kreativen Kreaturendesigns und Body-Horror, der teilweise an John Carpenters „The Thing“ erinnert. Gleichzeitig verbindet der Film seine Horrorszenen immer wieder mit schwarzem Humor. Hauptdarsteller Austin Abrams erhält für seine Darstellung ebenfalls viel Lob.

Gerade der Humor gehört allerdings auch zu den Kritikpunkten. Einige Rezensenten empfinden den Film stellenweise als zu albern oder weniger gruselig als erhofft. Zudem wird vereinzelt ein schwächeres letztes Drittel beziehungsweise ein Nachlassen gegenüber der stärkeren ersten Filmhälfte bemängelt.

Insgesamt fällt das erste Presseecho dennoch ausgesprochen positiv aus. Vor allem die Mischung aus Survival-Horror, schwarzem Humor und zahlreichen Elementen der Spiele scheint bei vielen Kritikern gut anzukommen. „Resident Evil“ startet am 18. September 2026 in den Kinos.

Der Beitrag Resident Evil begeistert Kritiker: 98 Prozent bei Rotten Tomatoes erschien zuerst auf .

Das Projekt entsteht mit der vollständigen Unterstützung und Zusammenarbeit von Technoblades Familie. Produziert wird die Dokumentation von Candle True Stories, während Riot Games und Hypixel Studios die Finanzierung unterstützen. Beide Unternehmen wollen ihre Gewinne aus dem Film für wohltätige Zwecke spenden.

Hypixel Studios dürfte vielen Minecraft-Spielern bereits ein Begriff sein: Das unabhängige Entwicklerstudio wurde von Mitgliedern des Teams hinter dem bekannten Hypixel-Minecraft-Server gegründet.

Technoblades Geschichte soll erstmals ausführlich erzählt werden

Regie bei Technoblade Never Dies führt Dokumentarfilmer Steven Lake. Der Film soll sich nicht ausschließlich mit dem bekannten YouTuber beschäftigen, sondern erstmals auch ausführlicher die Person hinter Technoblade zeigen.

Dabei soll die Dokumentation unter anderem auf Gespräche mit seiner Familie und seinen Freunden sowie auf mehrere hundert Stunden vorhandenes Videomaterial zurückgreifen.

Im Mittelpunkt steht die Frage, wie sich ein zunächst schüchterner und anonymer Teenager aus Kalifornien zu einem der bekanntesten Minecraft-Spieler der Welt entwickelte. Mit seinem Humor, seinem außergewöhnlichen Können und seiner unverwechselbaren Persönlichkeit baute sich Technoblade über die Jahre eine riesige Community auf.

Auch heute zählt sein YouTube-Kanal noch fast 23 Millionen Abonnenten. Sein Einfluss reicht dabei längst über seinen eigenen Kanal hinaus. Selbst im 2025 veröffentlichten A Minecraft Movie wurde Technoblade mit einer Anspielung auf seinen bekannten Schweine-Avatar mit Krone gewürdigt.

Vom Traum von zehn Millionen Abonnenten zur Minecraft-Ikone

Technoblade begann bereits als Teenager damit, Minecraft-Videos zu produzieren. Eines seiner großen persönlichen Ziele war es, die Marke von zehn Millionen YouTube-Abonnenten zu erreichen. Diesen Meilenstein schaffte er Ende 2021.

Im selben Jahr machte Technoblade öffentlich, dass bei ihm Krebs diagnostiziert worden war. Auch während seiner Behandlung hielt er den Kontakt zu seinen Fans aufrecht und behielt dabei den Humor, für den ihn seine Community kannte.

Im Juni 2022 verstarb Technoblade schließlich im Alter von nur 23 Jahren. In einem später veröffentlichten Video mit dem Titel so long nerds las sein Vater eine letzte Nachricht seines Sohnes an die Community vor. Dabei wurde erstmals öffentlich bekannt, dass Technoblade Alex hieß.

Auch Technoblades Community spielt eine große Rolle

Ein wichtiger Bestandteil der Dokumentation soll allerdings nicht nur Technoblades eigenes Leben sein. Der Film möchte sich ebenfalls mit der Community beschäftigen, die er hinterlassen hat.

Besonders sein Vater Marshall wurde nach Technoblades Tod zu einer bekannten Persönlichkeit innerhalb der Fangemeinschaft. Unter dem Namen „Mr. Technodad“ hält er bis heute Kontakt zu vielen Fans seines Sohnes.

Wie stark die Verbindung zwischen Technoblade und seiner Community war, zeigte sich unter anderem nach seinem Tod.

Mehr als 400.000 Nachrichten von Fans wurden innerhalb einer virtuellen Minecraft-Gedenkstätte gesammelt. Aus diesen Nachrichten entstanden anschließend insgesamt 22 Kondolenzbücher für Technoblades Familie.

Die Dokumentation soll deshalb auch zeigen, wie aus einer eigentlich digitalen Fan Community echte Freundschaften und Verbindungen entstanden und wie Fans auf der ganzen Welt gemeinsam mit Technoblades Familie um ihn trauerten.

Regisseur Steven Lake beschreibt das Projekt als eine Geschichte über die positive Kraft des Internets und von Videospielen sowie über die Spuren, die Menschen bei anderen hinterlassen können.

Wann erscheint Technoblade Never Dies?

Bis Fans die Dokumentation sehen können, dürfte allerdings noch etwas Zeit vergehen. Technoblade Never Dies befindet sich aktuell erst am Anfang der Produktion. Einen offiziellen Veröffentlichungstermin gibt es deshalb bislang nicht.

Geplant ist zunächst eine Premiere auf einem größeren Filmfestival. Anschließend soll die Dokumentation im Kino erscheinen und später über weitere Plattformen veröffentlicht werden. Ein konkreter Vertriebspartner wurde bislang allerdings noch nicht bekannt gegeben.

Der Beitrag Technoblade Never Dies: Dokumentation über Minecraft-Legende angekündigt erschien zuerst auf .